El cine de terror se ensaña con las mujeres, pero a la vez nos da las mejores heroínas

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El terror es el único género del cine en el que las mujeres ocupan más tiempo de pantalla (53%) que los hombres. Esta superioridad se debe a la predilección de los asesinos en serie, monstruos en general y psicópatas en particular por matar chicas. Pero por necesidades narrativas, para que el público tenga un personaje favorito, esa víctima debe empoderarse hacia el final del segundo acto y decidir que va a sobrevivir a la película. Ella es la “chica final”, un término acuñado por Carol J Clover en Men, Women and Chainsaws: Gender in the Modern Horror Film que hoy es canon del cine de terror. Un género que ha sido víctima perversa de su propio ensañamiento misógino: al pretender recrearse en la violencia contra las mujeres, ha terminado creando algunos de los personajes femeninos más complejos del cine.

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Por qué Rihanna es una revolución política aunque no hable sobre política

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En 2005, las listas de éxitos estaban atestadas de una nueva generación de jóvenes cantantes negras sin apellido. Ashanti, Cassie, Mya, Jamelia, Ciara, Amerie, Fantasia, Lumidee, Nivea o Letoya. Rihanna era una más. Sin embargo, y aunque ahora resulte fácil marcar una distinción entre ella y el pelotón, había cierto talante inconformista en ella: en su primer single, Pon de replay, criticaba a un señor que estaba pinchando música que no le gustaba. En el videoclip se subía a una tarima, bailaba sola y levantaba la fiesta entera en una época en la que las cantantes pop acostumbraban a contonearse al lado de un rapero que ni las miraba. Pero de sus 38 vídeos publicados hasta ahora, en 16 no sale ningún hombre, en 12 solo aparecen de fondo y en tres ella acaba matándoles. Rihanna se comporta, en definitiva, como podría decir ella, como si el mundo fuera su zorra.

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Entrevista: Gus Van Sant

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Durante la rueda de prensa matutina, Gus Van Sant ha puesto en aprietos a una periodista que le ha preguntado si considera que sus intereses han cambiado desde que empezó a hacer películas en los 80. “¿Y cuáles son mis intereses, según tú?” ha sido la no-respuesta del director. Y durante las entrevistas posteriores para presentar su nueva película, No te preocupes, no llegará lejos a pie (sobre la vida del dibujante paralítico John Callahan), y la exposición que pasará todo el verano en La casa encendida de Madrid Van Sant responde la mayoría de preguntas con monosílabos, con contra-preguntas y con “no lo sé”.

Sentarse a comentar los altos y bajos de su carrera resulta, ante este panorama, un desafío soberanista. Pero Gus Van Sant es tan económico en palabras como honesto en confesiones: reconoce que le dio el papel protagonista de Todo por un sueño a Nicole Kidman porque la actriz demostró ser igual de obsesiva, perfeccionista y hambrienta que el personaje y que le hizo un casting a Drew Barrymore para interpretar a Marion Crane en Psicosis. Este proyecto maldito, por cierto, es la única parada de este viaje en la que él se incorpora de la silla. Quizá porque, 20 años después, siente que todavía no hemos entendido lo que pretendía con aquella fotocopia a todo color. Pero la película con la que Van Sant parece despertar es la única de esta entrevista que no dirigió él, Stonewall.

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“El proxeneta de las estrellas”, ¿heroicidad o sensacionalismo?

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En diciembre de 2011, siete meses antes de morir, Gore Vidal le pidió a su amigo Scotty Bowers que le pusiese en contacto con Bob. Ni siquiera sabía si estaba vivo o muerto, pero quería verle por última vez. Bob había sido su amante en los años 60 y, hacia el final de su vida, Gore Vidal sintió un ataque de nostalgia, romanticismo y curiosidad. O como asegura Scotty Bowers, “a Gore le gustaba Bob porque había estado en la marina y tenía la polla como el brazo de un bebé”. Bob era un chapero y Scotty fue el proxeneta que, a cambio de una ínfima comisión de 20 dólares, le puso en contacto con Vidal en los años 50. Ahora el documental Scotty And The Secret History Of Hollywood desvela la lista de clientes VIP de Bowers, “el proxeneta de las estrellas”, pero huye de toda sordidez, sensacionalismo o malicia: este documental está planteado como un entrañable relato de superación y libertad.

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¿Qué nos quieren contar Beyoncé y Jay-Z con su nuevo vídeo?

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En Crazy In Love, el primer single en solitario de Beyoncé, la cantante invitó a su por entonces novio Jay-Z a rapear mientras ella se contoneaba llevando solo un bikini, una estola de piel, unos tacones de aguja y mucha actitud. El fuego del asfalto terminaba siendo apaciguado por el torrente de una fuente antiincendios que dejaba a la diva, como parecía obligatorio en todos los videoclips pop de la época, empapada y restregándose contra sí misma. Mientras esto ocurría, él no le miraba a la cara en ningún momento. Han pasado 15 años y Beyoncé ha lanzado junto a su hoy marido, colaborador y socio Apeshit, el primer single de su álbum conjunto Everything Is Love. Pero ellos ya no son los mismos y el mundo tampoco. El mundo ahora es suyo.

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Cómo ‘Amanece que no es poco’ predijo las redes sociales hace 30 años

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Cada loco con su tema, los habitantes del pueblo de Amanece que no es poco (José Luis Cuerda, 1988) farfullan, a veces para sí mismos y a veces para cualquiera que ande cerca, todo lo que se les pasa por la cabeza. Esta comedia absurda de realismo mágico que pasó desapercibida en su estreno hace 30 años es, quizá, la película con más culto de nuestro cine. Lo merece. Verla hoy demuestra que no solo no ha envejecido ni un solo día, porque existe conservada en el formol de la cultura popular española y por lo tanto es atemporal, sino que además la España que retrataba no ha cambiado tanto. El pueblo de esta película predijo cómo, tres décadas después, nos comportaríamos en las redes sociales. Porque todos somos contingentes, pero Amanece que no es poco es necesaria.

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Paula Wagner, la mujer que creó a Tom Cruise

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En su primera película como actriz, Paula Wagner tenía una sola frase: “Una parte de mí quiere decir que sí, otra parte de mí quiere decir que es pecado”. Esta línea, que podría resumir en qué consiste producir una película en Hollywood, suena como si el destino de Wagner estuviera escrito: pronto fracasaría como actriz, pero a cambio se convirtió en la a menudo descrita como “la mujer más poderosa de Hollywood”. Ella fabricó a Tom Cruise pero en vez de permanecer a su sombra le utilizó para forjarse una carrera como productora en las grandes ligas, esas que no dejaban entrar a las mujeres en los despachos si no era para traer el café. Y esta historia comienza, como los mayores éxitos de la humanidad, con una corazonada.

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¿Por qué hemos acabado viviendo el ‘El show de Truman’?

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Truman Burbank es el protagonista involuntario e inconsciente del programa de televisión más popular del planeta. El show de Truman (el programa) retransmite su vida 24 horas al día, 7 días a la semana sin su conocimiento ni, por tanto, su consentimiento: él no sabe que su vida está producida, grabada desde miles de cámaras -colocadas en colgantes, sacapuntas eléctricos o el panel de su coche- y protagonizada por actores que se comportan como cariñosas telepromociones humanas. El show de Truman (la película) retrata el despertar emocional, intelectual y, en última instancia, existencial de Truman al descubrir que su propia vida ha sido una pantomima.

En una escena de la película Truman habla con el espejo de su baño, dibuja un traje de astronauta en él y se concede una fantasía interestelar en el planeta Trumania antes de salir a desayunar. Los realizadores del programa están inquietos. ¿Se ha caído Truman del guindo? ¿Se ha dado cuenta de que le estamos mirando y está hablándole a la audiencia? ¿Por qué demonios iba a posar en un lugar tan íntimo como el baño?

Veinte años después, millones de seres humanos se han hecho una foto en su baño. Al fin y al cabo, es el lugar de la casa donde la luz es más favorecedora y el único donde aparecer semidesnudo puede parecer una casualidad. Cuando se estrenó la película en 1998, generó una reflexión social en torno a quién querría ver la vida cotidiana de una persona y quién querría exponer su vida ante millones de desconocidos. La respuesta, en ambos casos, ha resultado ser “todo el mundo”.

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Entrevista: Antonio Banderas

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“Antonio no se suele cansar”. La bienvenida de su representante suena rupturista: la misión de estos profesionales suele ser avisar de que su estrella está muy cansada para que el entrevistador encaje los monosílabos con deportividad. Antonio Banderas, que se estrena en la televisión estadounidense haciendo de Picasso en la serie de National Geographic Genius,es de otra pasta. Esto promete.

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Nicolas Cage: la retirada de un mito

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La próxima película de Nicolas Cage (California, 1964) podría ser la última, aunque él lleva 35 años interpretando cada papel como si fuera el último. El apodado Jimmy Stewart marciano personificó esa reflexión popular de que “quien a los 20 años no es revolucionario no tiene corazón y quien lo sigue siendo a los 40 no tiene cabeza”. Lo hizo cuando en 1995 ganó un Oscar por Leaving Las Vegas y decidió estrangular su carrera anterior de actor de arte y ensayo al servicio de genios locos como su tío Coppola (La ley de la calle), los Coen (Arizona Baby) o Lynch (Corazón salvaje).

La antiestrella que se había arrancado cuatro muelas para sentir el dolor de los soldados en Vietnam (Birdy) y se había comido una cucaracha cuando el guion indicaba que ingiriera un huevo duro (Besos de vampiro) mutó en producto pirotécnico al por mayor.

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