Siete momentos en los que Pixar se olvidó que había niños en la sala

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El impacto de Pixar en la cultura popular colectiva camina entre el entretenimiento masivo y un revolucionario concepto de “para todos los públicos“. Sus aventuras no solo funcionan en todas las edades, culturas y clases sociales, sino que además desarrollan sus relatos a dos niveles paralelos con dos lecturas alternativas: una misma escena apela a los niños y a los adultos a la vez, despertando sentimientos distintos y dejando una huella diferente en cada uno. Como asegura su fundador, John Lasseter, “la animación es el único género que realmente atrapa a toda la familia”.

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Las 10 mejores películas de Nicolas Cage y sus 5 épicos fracasos

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Lleva una década flirteando con el desastre, haciendo equilibrismo sobre la cuerda floja de la parodia, el circo personal y la debacle profesional. Pero Nicolas Cage ha sido un gran actor (con un Oscar, Leaving Las Vegas, 1995) y siempre se espera que vuelva a su mejor momento.
Nicolas Kim Coppola (California, 53 años) resurgió de las cenizas del ostracismo de su clan familiar cuando se rebautizó a sí mismo en honor del superhéroe de Marvel Luke Cage. Y como él, Nicolas tiene poderes mundanos y únicos con los que enfrentarse a los malos (esos que no creen en él). Su carrera se divide en tres episodios muy delimitados por el dinero: cuando no lo tenía, se reveló como el actor más visceral y valiente de su generación; cuando lo consiguió, se lo pasó bomba liderando épicas películas de acción chatarrera; cuando lo perdió todo, dijo que sí literalmente a todos los trabajos que le ofrecían.

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‘La muerte os sienta tan bien’, un clásico incomprendido, único y visionario

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En toda su carrera Meryl Streep sólo ha hablado mal de un director. Según ella, a Robert Zemeckis no le importan los actores, y sólo se preocupa de cómo van a quedar los efectos visuales en pantalla. La actriz describió el rodaje de La muerte os sienta tan bien como “tedioso”, y prometió que sería la primera, única y última vez que aceptase una película técnicamente tan compleja. Por lo demás, se muestra orgullosa de la pelicula, que en su momento fue repudiada como una desesperada comedia misógina sin gracia. En 1992 los efectos visuales eran una novedad y nadie sabía muy bien dónde se estaba metiendo. Isabella Rosellini, por su parte, creía que la película era una comedia familiar. Pero un día un ejecutivo del estudio visitó el rodaje y se mostró encantado: “ah, ¡qué película tan marica!”.

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En defensa del concierto de OT, sin culpabilidad ni vergüenza

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Ante cualquier fenómeno, se presentan dos reacciones: intentar extraer lo que dice de nosotros o asumir que la masa es estúpida. La mayoría de las crónicas del concierto de OT. El reencuentro optaron por lo segundo. Al fin y al cabo, se tarda menos en escribir sobre algo que odias que sobre algo que deseas entender. Quince años después, Operación Triunfo (OT) sigue siendo tratado como un espectáculo masivo tan denigrante como los combates de gladiadores. Pero en OT no muere nadie. Ni siquiera la música.

Susan Sontag, premio Príncipe de Asturias de las Letras en 2003, decía que la sociedad necesita buscarle sentido a las enfermedades, e intentar que sean un símbolo o digan algo de nuestra civilización. OT no es ninguna enfermedad, pero ha sido analizada con la rabia de un cáncer y la condescendencia de un constipado.

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Alicia Silverstone, la musa de los 90 y la primera víctima de internet

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Una chica está de pie en un puente. Es casi una adolescente aún, pero su vida ya ha tocado fondo. Su exnovio intenta convencerla de que no salte, pero ella se deja caer. Este final no es ninguna tragedia, sino una broma: la chica estaba haciendo puenting. Colgada del cable, mira hacia arriba, sonríe y le enseña el dedo corazón a su exnovio. Estamos en 1993 y la heroína en cuestión esAlicia Silverstone, a la que bastaron 4 minutos (los que duraba el videoclipCrying de Aerosmith) para convertirse en un icono de la cultura popular y en el mayor símbolo de la década de los noventa.

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Pee Wee Herman: el ídolo infantil y el escándalo sexual que nunca fue

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Pee-Wee Herman no siempre fue un ídolo infantil. A principios de los 80 su humor era ácido y sexual, de hecho se hizo famoso en la película Cheech & Chong’s Next Moviegracias a una escena en la que era detenido por gritar obscenidades a unos policías. Diez años después Pee-Wee (cuyo verdadero nombre es Paul Reubens) fue detenido en la vida real, acusado de ese delito tan americano y tan abstracto que es “exhibicionismo indecente”. Durante esa década, Paul Reubens se había convertido en el hombre más famoso de Estados Unidos gracias a un personaje que le hizo millonario primero, le fagocitó después y finalmente le arruinó la vida. Pero empecemos por el principio.

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El día que Julia Roberts dejó tirado a Kiefer Sutherland a tres días de la boda

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La decoración del banquete, inspirada en el jardín del paraíso, ya estaba montada. Las damas de honor ya habían recogido sus zapatos Manolo Blahnik teñidos de verde aguamarina para la ocasión, a 373 euros el par. La tarta nupcial con forma de pavo relleno era un premio de consolación, pues el novio (Kiefer Sutherland) quería servir pavo en la cena pero la novia (Julia Roberts) se había negado. El postre era de color verde aguamarina, a juego con los zapatos de las damas de honor, y el traje de novia de 7.000 euros se podía convertir en minifalda para la fiesta posterior. Pero nadie pasó a recogerlo: tres días antes de la boda Julia Roberts se fugó a Irlanda con el también actor Jason Patric, hasta entonces amigo de Kiefer Sutherland.

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‘Crueles intenciones’ nos convirtió en peores personas

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En 1985 El club de los cinco coronó la cumbre del cine sobre adolescentes en Hollywood. Con cinco perfiles que resumían todas las opciones que tiene un adolescente a la hora de elegir su personalidad (la popular, el malote, la rara, el empollón y el deportista), sus diálogos captaban la sensibilidad apática y la decepción ante esa pre-madurez en la que ya se estaban formando los roles sociales que marcarían su vida. Una vida que en absoluto era como les habían prometido. Tras unos años de sequía, el cine adolescente resucitó a finales de los 90 con títulos como Crueles inrenciones, en la que adolescentes millonarios dedicaban su tiempo libre a destruir vidas y revindicar el sexo anal como una moneda de cambio. ¿Qué sucedió entre El club de los cinco y Crueles intenciones para que nuestra civilización se volviese tan mugrienta?

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‘El diablo viste de Prada’, la película más generacional de la década

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Un crítico de cine puede analizar la fotografía, la estructura narrativa e incluso la relevancia social de una película. Pero hay un factor imposible de racionalizar cuando vemos una película por primera vez: su impacto cultural. La conexión emocional entre una película y el público no es una fórmula matemática. El director puede buscarla, pero en última instancia, serán los espectadores quienes hagan suya u olviden para siempre una película.Una magia casi inexplicable que ha llevado a éxitos moderados como Seven, Love Actually o Chicas malas a convertirse en clásicos que varios años después ya forman parte de nuestra vida.

El diablo viste de Prada es uno de esos clásicos contemporáneos. Eclipsada en su estreno por la ingeniosa interpretación de Meryl Streep (que le dio su enésima nominación al Oscar y la confirmó como la actriz favorita del planeta y, por primera vez en 30 años, un valor seguro de taquilla), 10 años después los numerosos pases en televisión la han consolidado como esa película cuyos diálogos podemos citar en cualquier reunión social con éxito.Una de esas que si pillamos empezada en la tele, nos quedamos a verla sin dudar. El secreto es su audacia para, explotando recursos tópicos de la ‘comedia para chicas’, ser un valioso retrato del mundo en el que vivimos

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Soy famoso, por favor RT

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Además de ser la mayor estrella de Hollywood, Jennifer Lawrence (Kentucky, 25 años) es el mayor fenómeno viral del mundo. Cuando no es porque se tropieza al recoger su Oscar (o al bajar a comprar el pan; será por veces que se ha caído esta chica), es porque alucina al conocer a Jack Nicholson, o porque cuenta que durante el rodaje de Los juegos del hambre se hacía pis encima para no quitarse el traje, o porque se fuma un porro con el Oscar recién ganado encima de la mesa. Al final, J-Law pasa tanto tiempo en los titulares por ser una chica simpática como por ser estrella de cine. Pero eso es precisamente en lo que se ha convertido el estrellato.

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¿Por qué España está obsesionada con el Oscar de Leonardo DiCaprio?

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En uno de los e-mails filtrados de Sony tras ser hackeados por Corea del Norte, un veterano agente de Hollywood le suplicó a Leonardo DiCaprio que aceptase el papel de Steve Jobs. “Todo el mundo está desesperado por ayudarte a conseguir ese Oscar que tanto te mereces”. Detrás de este vergonzoso peloteo hay una insultante asunción: que DiCaprio ansía ganar un Oscar por encima de todo. Esta teoría, especialmente ardiente entre el pueblo español, resurge cada vez que el actor protagoniza una nueva película y el hecho de que hasta un miembro de la industria se tome la libertad de decírselo a Leonardo es esperpéntico.

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La caída al infierno de los creadores de ‘La Bruja de Blair’

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La caída de Eduardo Sánchez (Cuba, 46 años) y Daniel Myrick (Florida, 52 años) no es la única ocasión en la que Hollywood enaltece a sus criaturas para luego ignorarlas, pero sí es de las más radicales. Ambos tardaron siete años en dirigir su segunda película,Altered en el caso de Sánchez y Believers en el de Myrick. Ambas fueron estrenadas directamente en dvd, circuito en el que han desarrollado el resto de su carrera. Un territorio deprimente para alguien que a los 30 años protagonizó la portada de Time.

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Las mejores películas para ver con tu madre

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No hay espectador más honesto que una señora de mediana edad. Ellas no tienen que demostrar nada a nadie, ni justificar por qué le gusta una película. Tampoco tienen tiempo para perderlo viendo “obras imprescindibles de la historia del cine”, sino que ven lo que les da la gana. Las señoras son un público que se mueve por puro instinto: o les gusta o no les gusta, sin importarles en absoluto qué dicen de ellas sus elecciones.

Además, criar a varios hijos y sacar adelante una familia les ha dado la capacidad de seguir el argumento de una película sin haberla visto empezar ni terminar. Incluso son capaces de ver dos telefilmsparalelamente saltando a uno durante la pausa publicitaria de otro. Salir de nuestra burbuja social y hablar de cine con nuestras madres puede ser un verdadero placer y abrirnos los ojos: al final todo se reduce a si una película está bien hecha o no, a si nos engaña como espectadores o si es honesta en sus intenciones desde el principio.

Todas estas películas son predecibles de un modo tan reconfortante como volver a casa por Navidad, con sólidas normas de entretenimiento y ante todorespetuosas con su público, porque no se creen más listas que él. Al contrario, son películas generosas con el espectador porque nos dan información que sólo sabemos nosotros desde el principio. Y encima no dejan de pasar cosas, garantizando dos horas trepidantes a un giro argumental por minuto.

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Todo lo que sé de la vida lo aprendí viendo Sensación de vivir

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n una entusiasmada guitarra eléctrica y un montón de gente contenta irumpía el 3 de octubre de 1990 la serie Beverly Hills 90210. Un año más tarde, aparecía en nuestras vidas comoSensación de vivir, un título en la línea del optimismo que reinaba en la publicidad de la época (“la chispa de la vida”, “ragazza siempre atrevida”). El fenómeno arrasó en España de forma aún más eufórica que en Estados Unidos: portadas de revistas, pegatinas, posters, pulseras de la amistad y camisetas con la cara de los protagonistas eran tan parte de nuestra vida como nuestros propios amigos.

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Los conflictos de un transgresor llamado Joaquin Phoenix

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Tenía solo 19 años. Joaquin Phoenix vivió tan de cerca la trágica muerte de su hermano que ni un escuadrón de psicólogos podría haber enderezado la vida de ese desdichado muchacho. La muerte por sobredosis de heroína y cocaína en 1993 del actor River Phoenix(a los 23 años), en el antro californiano de Johnny Depp (Viper’s Room), fue carroña de primera para la prensa sensacionalista, que traumatizó a Joaquin publicando fotos del cadáver. “River quería quedarse en casa tocando la guitarra, fui yo quien le convenció esa noche para salir”, declaró luego un atolondrado Joaquin, sin duda martirizándose. Lamentablemente célebre fue también la grabación de la llamada que un aterrorizado Joaquin hizo al servicio de emergencias 911. Los medios reprodujeron la angustiosa descripción del hermano pequeño de aquella casi-estrella de Hollywood: “Mi hermano está en el suelo, se ha tomado un Valium. Se va a morir”. Joaquin fue benévolo: dijo que su hermano había consumido (un) Valium, sin duda para protegerle. No hizo falta. Aquel episodio terrible ayudó a cimentar la personalidad de un tipo pertubado y perturbador, seguramente el actor más enigmático de la actualidad. Estos días (viernes 25 de septiembre) estrena Irrational Man, de Woody Allen, una comedia dramática en la que Joaquin interpreta a Abe, un profesor de filosofía que llena su vacío existencial ayudando, a su manera, a una desconocida.

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Princesas Disney: del braguetazo a la emancipación

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Las princesas Disney son uno de los iconos culturales del siglo XX. Forman parte del imaginario colectivo y representan los diferentes tipos de mujer que el cine ha querido retratar. Al margen de que su objetivo final siempre haya sido el de encontrar marido, sus aspiraciones, necesidades y decisiones han evolucionado durante los 76 años que Disney ha necesitado para llegar a ‘Frozen’, de estreno este mismo viernes.

Disney siempre se ha caracterizado por sus valores conservadores y comerciales, pues no hay que olvidar que su intención es la de construir un imperio económico basado en los sueños y anhelos de las niñas preadolescentes. Pero la construcción de sus personajes es a menudo delicada y sutil, y por tanto da lugar a miles de lecturas y mensajes escondidos tras las canciones, la magia y los cambios de peinado.

Snow-White-Wallpaper-disney-princess-28961064-1024-768 “Jo, en este bosque nadie se dará cuenta de lo guapísima que soy”

El papel de la mujer en el siglo pasado puede dibujarse (¡dibujarse!) a través de los diferentes perfiles que Disney ha creado para contar sus historias. Hollywood ha reinterpretado estos mitos una y otra vez, y el público de todo el mundo ha esperado que su vida le traiga emociones fuertes con la misma facilidad y con el mínimo esfuerzo.

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Parte 1: El braguetazohttp://www.domingodecine.es/hollywood/princesas-disney-parte-1-el-braguetazo/

Parte 2: Nosotras parimos, nosotras decidimos http://www.domingodecine.es/hollywood/princesas-disney-parte-2-nosotras-parimos-nosotras-decidimos/

Cada vez que hay una revolución en la cultura pop, Laura Dern está ahí

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En 2001, una odisea en el espacio, un monolito descomunal se aparece en tres escenas distintas. Primero, cuando los simios adquieren la destreza de manejar (huesos a modo de) herramientas. Después, cuando el hombre pisa la Luna por primera vez. Y finalmente, el monolito resurge en los albores de la inteligencia artificial. En la película de Stanley Kubrick, este dolmen simboliza un salto y un ascenso en la evolución de la humanidad. En términos generacionales, Laura Dern es nuestro monolito. Cada vez que la cultura pop se transforma y se adentra en una nueva dimensión, allí está Laura Dern. ¿Casualidad? ¿Masonería? ¿Magia negra? Este año regresa con la serie Big Little Lies, la secuela de Twin Peaks y Los últimos Jedi. Abróchense los cinturones, porque esto solo puede significar que la cultura pop se dispone a dar otro salto sin red.

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Las chicas del cable sobre la lealtad femenina, el método y Pablo Motos

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Blánca Suárez, Maggie Civantos y Nadia De Santiago valen para todo. Con mucho más nervio, seguridad y lucidez que sus personajes en Las chicas del cable, son capaces de pasar de explicar la mecánica del trabajo de un actor a reflexionar sobre el feminismo o a comentar la serie como espectadoras dentro de la misma frase. Las tres actrices llevan pantalones y difrutan de una mayor libertad sobre sus vidas personales y profesionales que las telefonistas de principios de siglo que interpretan. Y utilizan esa libertad. Maggie habla por los codos (y siempre resulta elocuente), Nadia parece más reflexiva y Blanca transmite la sensación de medir en todo momento cada palabra que va pronunciando. Ella misma confirma esa sospecha: “en las entrevistas hay que mirar mucho qué dices, cómo lo dices y sobre qué hablas. Si eres incisivo y haces bromas de más, o bromás ácidas, pueden malinterpretarse enseguida. Y yo soy muy dada a hacer ese tipo de bromas, así que tengo que contenerme. Pero me da rabia. Es como si tuviéramos poca capacidad de reirnos de nosotros mismos”. Hay cierta mordacidad en Blanca Suárez que ella parece querer disimular.

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Todo el mundo creía que era la mujer más guapa del mundo, menos ella

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Jodie Foster tenía el prestigio. Demi Moore explotaba su erotismo. Meg Ryan resultaba adorable. Michelle Pfeiffer lo era todo a la vez. Lo sorprendente de la desaparición de Pfeiffer (lleva cuatro años sin trabajar) no es que Hollywood le haya dado la espalda, un ostracismo al que también ha condenado a Foster, Moore o Ryan. Lo chocante es que Pfeiffer se haya precipitado al abismo, a esa fosa común online de las galerías de “mira cómo están ahora las estrellas del pasado”, desde una posición tan alta. A finales de los 80 y principios de los 90, Michelle Pfeiffer no solo era una actriz de carácter y una estrella mundial. Michelle Pfeiffer fue la mujer más hermosa del planeta.

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El más animal de Hollywood

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Richmond, Londres. Un tipo roba una moto y, en su huida, se salta un semáforo en rojo y choca contra un Mercedes. Pero ese desgraciado ha infringido la ley delante del testigo equivocado: el actor Tom Hardy pasaba por ahí y, tras presenciar el crimen, se pone a correr detrás del ladrón calle arriba. Después de atravesar varios jardines residenciales saltando las vallas que los dividen, Hardy consigue agarrar al delincuente del cuello de la camisa, le reduce en el césped y le cachea en busca de armas. “He cazado a este hijo de puta”, les aclara a los espectadores fortuitos de la persecución. En cuanto llega la policía, el actor se larga. Su trabajo ya está hecho. No todos los héroes llevan capa.

Esta podría ser una escena de una película de acción, pero es la vida real. Sucedió el martes 24 de abril en el barrio donde Tom Hardy (Londres, 39 años) vive con su esposa, la también actriz Charlotte Riley, y sus dos hijos de nueve y dos años. El actor demostró que, como sus personajes de Max en Mad Max, furia en la carretera (George Miller, 2015) o Bane en El caballero oscuro, la leyenda renace (Christopher Nolan, 2012), prefiere reaccionar ante las emergencias con visceralidad e inventar un nuevo nivel de fuerza bruta antes que reflexionar.

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Jonathan Demme, el hombre que cambió el mundo con una película

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En 1992, Jonathan Demme tenía Hollywood a sus pies. Tras hacer historia con El silencio de los corderos (la tercera película en lograr los cinco Oscars principales: película, director, actor, actriz y guión), tenía a su disposición todos los proyectos que quisiera. Demme se decantó por Philadelphia. La primera película producida por un gran estudio sobre el sida, la enfermedad que aterrorizaba al mundo entero.

Un par de años antes, Compañeros inseparables (un drama independiente sobre cómo el virus diezmó la comunidad homosexual) había intentado sin éxito fichar a alguna estrella para lograr repercusión. Todos dijeron que no. Ningún actor de primera fila quería ver su nombre, su cara y su cuerpo asociados a una enfermedad que provocaba temor, paranoia y repulsión colectiva. Al aceptar dirigir Philadelphia, Jonathan Demme convirtió automáticamente la película en una de los más prestigiosas del año.

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No lo llames “chico malo”, llámalo mala persona: el caso Mark Wahlberg

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Boston, 1986. Un grupo de niños negros de diez años juega en la playa. De repente, una pandilla de chavales blancos de quince años empieza a insultarles. Cuando se acercan, los niños salen corriendo, pero los gamberros les persiguen y les tiran piedras mientras gritan “¡matad a los negros!”. Dos de las niñas acaban en el hospital. ¿Es una película de terror? ¿Un drama de denuncia social que ya suena como favorito para los Oscars? No, es un hecho real. Uno de esos chicos de quince años que tiraban piedras contra niñas negras de diez era Mark Wahlberg.

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¿Por qué Hollywood sigue dándole a actores blancos personajes que no lo son?

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Hace unos días, la actriz Samira Wiley y la guionista Lauren Morelli se casaron. Las novias se conocieron durante el rodaje de Orange Is The New Black, pero las fotografías de la boda no se han viralizado gracias a los fans de la serie, sino a la reacción de Vegan Megan, una usuaria de Twitter. Vegan Megan se mostró emocionada ante la imagen de las dos mujeres: “¡casarse el mismo día que tu mejor amiga es un sueño! ¿Hay alguna imagen de sus maridos?”. Más allá del estupor o la guasa con la que uno puede reaccionar ante este tuit, la anécdota pone de manifiesto que percepción es realidad. Pero esa percepción está inevitablemente sesgada por las circunstancias de la persona que mira la foto: muchos heterosexuales tienden a asumir, incluso en circunstancias extremas como esta, que el resto del mundo también lo es. Al menos hasta que se demuestre lo contrario. Este principio de asociación intuitiva, que explicó Jorge Dioni en relación al viral profesor de la BBC y su esposa (que no niñera) coreana, es el prejuicio al que Hollywood se aferra para perpetuar el whitewashing: los blancos se siguen sintiendo más cómodos viendo películas sobre blancos.

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Así se ocultó la relación homosexual de ‘Ben-Hur’

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Dos hombres se reencuentran tras varios años separados. Judá Ben-Hur y Messala no pueden contener su alegría: se agarran el brazo, se miran fijamente y de arriba abajo con media sonrisa, se rozan las manos al compartir una copa y no pueden evitar reír con nerviosismo. “Después de tantos años, todavía cerca”, “sí, en todos los sentidos”, “te dije que volvería”, “no creí que lo hicieras, estoy tan feliz”…

Son frases que pueden interpretarse como declaraciones de amor. La escena culmina con Ben-Hur y Messala sorbiendo vino de sus cálices con los brazos entrelazados y mirándose intensamente. Según el guionista de la más grande película de romanos jamás filmada, Ben-Hur (William Wyler, 1959), los dos hombres habían sido amantes. Charlton Heston, que interpretó a Judá Ben-Hur, tuvo una reacción furibunda cuando le hablaron de las connotaciones homoeróticas. Todavía hoy, 58 años después del estreno de la película, la interpretaciones son apasionadas y dispares.

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Cómo TLC revolucionó el pop y dio voz a las mujeres negras

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Dentro de cada minoría, existe su propia minoría. Porque los marginados también marginan. La revolución social y callejera de la comunidad negra durante los años 60 fue, inevitablemente, liderada por los hombres negros. Sus mujeres quedaron de fondo. Y ahí siguieron durante años. Cuando el periodista Jim DeRogatis investigó las múltiples acusaciones de abusos sexuales contra el cantante R. Kelly a varias chicas adolescentes en los años 90 (probadas incluso con cintas de vídeo), llegó a una conclusión: ninguna de ellas llevó a juicio a la estrella del r&b porque el mundo les garantizó que tenían las de perder. “Este es el hecho más triste que he aprendido” escribió DeRogatis, “nadie importa menos en nuestra sociedad que las mujeres jóvenes negras. Nadie. Solo son tratadas como zorras, cerdas o cazafortunas. Así de simple”. Pero esa sociedad de los 90 acabaría escuchando la voz de las chicas negras, lo quisiera o no, desde lo más alto de las listas de éxitos. Esa voz era la de Lisa “Left Eye” Lopes.

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