‘Magnolias de acero’, la dramedia femenina que floreció en el Hollywood más misógino

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Las mujeres en Hollywood tocaron fondo durante la década de los 80. Superproducciones lideradas por estrellas femeninas como Lo que el viento se llevó, Mary Poppins, Cleopatra, Sonrisas y lágrimas o My Fair Lady ya eran reliquias: la única película del top diez de los 80 protagonizada por una mujer es Tootsie. En los 70, La guerra de las galaxiashabía descubierto que el público más rentable ya no eran las madres, como había ocurrido desde la invención del cine, sino sus hijos adolescentes y la generación de “toros salvajes, moteros tranquilos” (los Coppola, los Scorsese y los Friedkin) se erigieron como los nuevos autores del cine de prestigio retratando un mundo en el que ninguna mujer pronunciaba dos frases seguidas. Callie Khouri cuenta que decidió escribir Thelma y Louise a finales de los 80 cuando vio una película en la que Sylvester Stallone le reventaba la cabeza de un disparo a una mujer, exclamaba “¡mujeres!” y el público estalló en carcajadas.

El cine comercial de los 80 siguió apelando a los chicos adolescentes (Indiana Jones, Superman, Regreso al futuro, Cazafantasmas, Superdetective en Hollywood o Batman tenían un solo personaje femenino, conocido como “la chica de la película”) y en sus márgenes surgió una resistencia: La fuerza del cariño, Dirty Dancing, Cómo eliminar a su jefe o Armas de mujerno solo estaban centradas en personajes femeninos, sino que su condición de mujeres determinaba su situación social, sus decisiones y su forma de relacionarse con los demás. No eran hombres a los que se les había cambiado el género en el guion a última hora, como ocurrió con la teniente Ripley en Alien. En los 80, cuando un hombre se enfrentaba a un conflicto en una película se la consideraba un relato universal, pero cuando se trataba de una mujer se reducía toda la película a “cine para mujeres”. En este pequeño reducto floreció Magnolias de acero.

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Por qué la cantante de Ace of Base decidió desaparecer para siempre

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Los suecos inventaron la dinamita, el marcapasos y la cremallera. Y cuando ABBA perfeccionó la música pop, recurrió a la misma fórmula que esos tres inventos: explosión, ritmo y sencillez. En 1994, Ace of Base apelarían al formato de ABBA (dos hombres compositores y dos mujeres, una rubia y otra morena, cantantes) hasta llegar al número uno en los cinco continentes, desde Israel hasta Zimbabue o Japón. Y, de repente, en la cima de su éxito, su cantante principal, Linn Berggren, decidió desaparecer y, ante las obligaciones contractuales que se lo impedían, se rebeló desenfocándose. Literalmente. 25 años después, su decisión sigue siendo uno de los mayores misterios del pop y despierta fascinación, excusas y teorías surrealistas.

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Cómo Stallone emborrachó a Sharon Stone para rodar una de las escenas de sexo más incómodas de los 90

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“Porque estoy harta de desnudarme”. Esta justificación de Sharon Stonepara negarse a rodar una escena sexual en El especialista (Luis Llosa, 1994) no sirvió de nada. Su compañero de reparto, Sylvester Stallone, le respondió: “Pues niégate a desnudarte en la película de otro”. Los productores la presionaron y finalmente accedió a rodar una de las escenas de sexo más incómodas y menos eróticas del cine de los noventa. Stone ha pasado a la posteridad como el mito erótico oficial de aquella década gracias a personajes que utilizaban su sexualidad para manipular a los demás, pero detrás de las cámaras ella nunca tuvo el control.

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Rocketman: crónica del primer marica amable

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Al final de la trilogía Matrix, Neo —la anomalía— tuvo que morir para integrarse en la maquinaria —el sistema—. Esta resolución, confusa para cualquiera que esperase un final feliz made in Hollywood, responde en realidad a preceptos informáticos —todo intruso digital debe ser absorbi-do por el programa para que la siguiente versión de ese programa resulte más efectiva—, pero puede funcionar como una alegoría cultural. Todo agente subversivo, ya sea Almodóvar, Warhol o Palahniuk, acabará formando parte del mainstream. Y así es como el mainstream evoluciona: integrando, asimilando y neutralizando a sus disidentes. Elton John sirve como parábola de este ciclo de la vida cultural: una rockstar extravagante que ha terminado sonando en Kiss FM, dando conciertos en Marbella y reuniéndose con Putin.

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‘Mira quién habla’ es una comedia mucho más política de lo que parece

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Esta semana se ha anunciado un remake/secuela de Mira quién habla que recreará la misma premisa (un bebé que habla pero solo el público le escucha) con los hijos de Mickey, el bebé de la original que ahora tendrá 30 años. El proyecto ya tiene director y guionista y, aunque no se sabe todavía qué actores aparecerán o si Kirstie Alley, John Travolta y Olimpia Dukakis regresarán como los abuelos y bisabuela del bebé parlante, los productores sí se han apresurado en tranquilizar a los guardianes de la corrección política: el reparto de Mira quién habla 4 tendrá diversidad racial. Sin embargo, antes de que los cancerberos del “es que ahora nos quieren meter las minorías a la fuerza” levanten sus teclados, merece la pena regresar a la Mira quién habla original y comprobar que ya se trataba de una película profundamente política.

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Cómo los Jonas Brothers han conseguido, por fin, ser ‘cool’

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De entre sus compañeros de promoción en Disney Channel (Miley Cyrus, Selena Gomez, Shia LaBeouf), los Jonas Brothers eran los menos conocidos en el mundo real. Hace diez años había más gente que conocía la historia de sus anillos de la virginidad que gente que se supiese una canción suya, pero eso ahora está cambiando gracias a su último single. Suckeres su primer número 1, el mayor éxito de su carrera y un triunfo improbable cuando parecía que nadie les estaba echando de menos. ¿Es posible que, cinco años después de su disolución, ya haya sed de nostalgia por los Jonas?

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El mundo se derrumba, pero siempre nos quedará ‘Toy Story’

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En 1982, John Lasseter le propuso a sus jefes en Disney adaptar La tostadora valiente desde un punto de vista existencial: un grupo de utensilios de cocina se embarca en un viaje para encontrar a su creador. Disney reaccionó despidiéndole. Pero cuando una década después Lasseter, ya como presidente de Pixar, les planteó la premisa de Toy StoryDisney vio un negocio redondo. La compañía sacaba mucho más dinero de los muñecos que de las propias películas, de modo que lanzar una película directamente protagonizada por juguetes (no te comprabas un peluche de Simba, te comprabas literalmente a Buzz Lightyear) les parecía una operación comercial perfecta. Sin embargo, el merchandising era un caballo de Troya: Lasseter les estaba colocando un relato sobre la madurez (sus dudas, sus miedos, su dolor), sobre la comunidad y el sentimiento de pertenencia, sobre la mortalidad y la identidad. Y nadie comprendería que Toy Story era una meditación existencial hasta el final de la tercera parte.

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Las negligencias que acabaron matando a Brandon Lee durante el rodaje de ‘El cuervo’

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La repentina muerte prematura de Bruce Lee lleva 45 años alimentando rumores, leyendas y teorías de la conspiración. Todas delirantes: una maldición por haber comprado una casa en terrenos sagrados, una vendetta de la mafia china por negarse a trabajar en las películas de sus estudios o un toque de la muerte perpetrado por un maestro del kung fu ofendido porque Lee compartiese los secretos de su arte marcial con las masas de Occidente. Sus admiradores parecían incapaces de asumir que un ser superior como Lee hubiese muerto por algo tan mundano y fortuito como una inflamación cerebral causada por una reacción alérgica a un medicamento o, tal y como sugirieron algunos medios, una adicción a las drogas. En el momento de su muerte (1973, con 32 años), Lee estaba rodando Juego con la muerte, donde interpretaba a un actor de cine de acción. En una escena, unos mafiosos reemplazaban las balas de fogueo de su rodaje con balas auténticas para intentar asesinarlo. Cuando 20 años después el hijo de Lee, Brandon, murió en el rodaje de El cuervo a causa de un disparo que debía ser de fogueo y resultó ser de verdad la paranoia en torno a la maldición de los Lee resucitó. ¿A qué venía semejante casualidad macabra?

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16 películas perfectas para tener una conversación espinosa con tu hijo

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Toda una generación comprendió en qué consiste la reproducción humana gracias a los títulos de crédito de Mira quién habla, la comedia de 1990 protagonizada por John Travolta y Kirstie Alley. Pero el valor educativo del cine puede ir más allá de la propia película y provocar conversaciones entre los espectadores que la han compartido: a ningún adolescente le gusta que su padre le sermonee, pero comentar una película es un ejercicio cotidiano, inofensivo y casual.

Todas las películas de esta lista abordan, explícita o implícitamente, temas que todo padre tendrá que tratar con su hijo tarde o temprano y una sobremesa de domingo en el sofá puede culminar en una de esas charlas que el joven se llevará consigo durante el resto de su vida adulta. Y sin que el padre tenga que pasar el apuro de sacar el tema de la nada.

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El mito del rodríguez: la canita al aire de la clase media tardofranquista

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Simón, el protagonista de la obra Usted puede ser un asesino (Alfonso Paso, 1958), justificaba así su decisión de contratar a una prostituta mientras su mujer estaba en la playa con los niños: “Llevo todo el año trabajando como un negro, tengo derecho a echar una cana al aire”. La figura del rodríguez, un mito de la cultura popular española en los 60 y los 70, era aspiracional: si el hombre cumplía con su deber asignado (cabeza de familia, trabajador, proveedor) se merecía satisfacer sus impulsos sexuales de vez en cuando sin hacer mucho ruido. Al fin y al cabo la ley penalizaba el adulterio femenino, no el masculino. ¿Pero existió de verdad el rodríguez? ¿O fue acaso una fantasía para aliviar la frustración del marido en la cárcel de su hogar, tan inalcanzable en realidad como las novelas rosas que leía su señora?

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